Alfano - Liriche da Tagore

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CD Nuova Era 7388 (Torino, 2004) prodotto da Rive-Gauche Concerti con il sostegno di Regione Piemonte e Fondazione CRT.

Interpreti: Duo Alterno - Tiziana Scandaletti soprano, Riccardo Piacentini pianoforte


Estratto da "Liriche da Tagore"


TRACKLIST
Franco Alfano

Tre Poemi di Tagore (1919)
• Mamma, il giovane Principe
• Egli mormorò
• Parlami, amore mio

Da “Sei Liriche” (1919)
• Non partire, amore mio

Tre Liriche di Tagore (1929)
• Perché allo spuntar del giorno
• Finisci l'ultimo canto
• Giorno per giorno

Da “Nuove Liriche tagoriane” (1936)
• Perché siedi là?
• Non nascondere il segreto del tuo cuore

Da “Due Liriche di Tagore” (1943?)
• T'amo, diletto mio (manoscritto inedito di proprietà del M.o Rino Maione)

Da “Sette Liriche” (1947)
• Si addensano le nubi
• Venne e mi sedette accanto

Da “Due Liriche” (1948?)
• Il giorno non è più (manoscritto inedito di proprietà del M.o Rino Maione)

Da “Cinque nuove Liriche tagoriane” (1948)
• Sì, lo so

Il progetto

Ecco il quarto CD monografico che Rive-Gauche Concerti – sostenuta da Regione Piemonte e Fondazione CRT con la collaborazione di Centro Studi Musicali “Carlo Mosso” e Biblioteca del Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Torino – dedica a prime incisioni di musica vocale da camera del Novecento storico italiano.

Ai primi tre CD con musiche di Giorgio Federico Ghedini e Alfredo Casella, si aggiunge ora questo lavoro con alcune delle più belle liriche tagoriane che, in questi anni di “riesame” del discusso finale di Turandot , a cinquant'anni esatti dalla scomparsa di Alfano possono configurarsi come “camera ottica” per una più ampia rilettura del compositore.

Un ringraziamento speciale ad Andrea Lanza, direttore della Biblioteca del Conservatorio di Torino, e a Rino Maione, che ha messo a disposizione molto materiale alfaniano e in particolare i manoscritti di T'amo, diletto mio e Il giorno non è più di sua proprietà. (Riccardo Piacentini)



Le liriche di Franco Alfano

Va subito detto che le Liriche di Franco Alfano (1875 – 1954) non van guardate come momenti marginali o addirittura come separati dal resto dei suoi lavori più elaborati epiù orgogliosi o intimidatori: opere teatrali, Sinfonie, Quartetti, etc.: sono forme stringatissime che adunano e affinano particolarissime virtù dello spirito e della materia musicale.

Sono l’ultima e più assoluta sintesi di concretezza espressiva e di magistero artigianale. Alfano stesso, invitato a presentare un concerto di sue musiche nella sala del Conservatorio di Napoli il 16 marzo 1953, disse: “Nella mia produzione le Liriche assumono un posto assai importante, niente affatto secondario a quello occupato dalle più complesse composizioni teatrali e sinfoniche.

Ho sempre pensato che una Lirica, una bella Lirica naturalmente, sta ad una Sonata, ad un Quartetto, ad una Sinfonia come un Sonetto sta ad un Poema”.

Tra i tanti poeti ai quali s’ispirò (Lamartine, Hugo, De Musset, Rilke) Alfano ebbe privilegiati rapporti con la poesia dell’indiano Rabindranath Tagore (1861 – 1941), autore anche di drammi, di saggi citici, di opere filosofiche e religiose, e perfino di quadri pittorici. Tagore è il poeta per eccellenza di Alfano. Nel corpus delle Liriche del musicista napoletano (una sessantina, circa) il nucleo più consistente è dato dai testi del poeta di Calcutta: ben 26.

Ciò conferisce ad Alfano una rilevanza tutta singolare e preponderante nella schiera dei compositori che attinsero alla poesia di Tagore: Janacek, Zemlinsky, Schönberg, Respighi, Frank Bridge, Pizzetti, Szymanowski, Mihlaud, Malipiero, Casella, Ghedini, Castelnuovo-Tedeschi e Ravi Shankar, per non citare che i più noti.

Alfano “fraternizza” con Tagore nell’unicità di quei sentimenti ove la gioia estatica dei sensi e la religione per la Natura formano un solo mito d’amore. Il loro connubio artistico avviene per trasfusione di spiriti, essendo entrambi sensisti e spiritualisti, come quelli ai quali il senso non è l’immediata “passione” ma la percezione di una passione che s’affida alla consolazione di un arcano sospirar d’amore che si può perfino scambiare come un modo di mistica invocazione.

L’amore fisico diventa amore per il trascendente e viceversa. Un erotismo giocato a mo’ del Canticum Canticorum dell’Antico Testamento. La sensualità dell’arte di Tagore e di Alfano nonè una sensualità allo stato primitivo e ferino, come spesso tale parola è detta con l’intenzione negativa, bensì una sensualità in cui si forma l’espressione contemplativa del senso: una sensualità avida di poesia e di musica, un che di astrale e magico che s’apre ad esprimere una liricità amorosa e stupita.

La poetica di Tagore è assetata di bellezza ed ebbra d’amore; i suoi desideri, errando per cieli platonici, hanno un senso quasi di preghiera: quello di comunicare col divino che è in ogni creatura.

Il suo lievito ispiratore è l’amore come culto di sentimenti e di voci che si beano di poesia in una celebrazione panteistica della vita, ora interrogando il mistero dell’essere, ora evocando la nostalgia delle cose, ora struggendosi in fremiti passionali. Nell’amore e nella natura Tagore ravvisa la traccia dell’Ente e dell’ Uno; nel finito l’Infinito. Alfano fu affascinato da questa mistica indiana che sta tra Teismo e Panteismo; restò folgorato dalla professione naturale di tanta altezza poetica non prima conosciuta e di tanta fede nei sentimenti umani.

Lyric of Love and Life è il titolo che Tagore diede alle sue poesie; e Alfano, che già stava per dar canti e armonia all’India di quel che sarà il suo capolavoro teatrale Sakuntala, dichiarò: “Mai mi sono sentito così tanto pieno di musica come nel mito umano e religioso dell’India”. In queste Liriche d’Amore e di Vita la poesia di Tagore si fa musica di Alfano, e la musica di Alfano si fa poesia di Tagore. La virtù poetica e quella musicale sembrano appartenere alla stessa anima. Il loro canto risale dall’ebbrezza dell’affetto terreno al senso mistico dello spirito, per cui non riesci a comprendere se è un canto d’amore o un canto religioso, né distingui se chi canta è un uomo o una donna, se è l’anima che cerca il divino o è la sposa che brama lo sposo. Il certo è che sia la poesia sia la musica bruciano di contenuto erotico, di quell’eros ch’è sì frequente nei mistici d’ogni tempo e luogo i quali, nella trascendente ricerca del divino, si esprimono a mo’ dell’amore sensibile terreno.

Le due sillogi poetiche tagoriane dalle quali Alfano selezionò ventisei testi sono: Gitanjali, cioè “Canti di offerta” (che potremmo definire anche “Raccolta di preghiere”) e il Giardiniere, cioè colui che coltiva la propria coscienza. Alfano si servì della prima traduzione italiana edita da Gino Carabba di Lanciano nel 1914-1915. La visione musicale di Alfano è un canto segreto che non comporta lunghi sviluppi e si svolge in un registro quasi sempre di tessitura centrale, senza mai spingere la voce ai limiti estremi, così come si conviene al lirismo platonico tagoriano. Inoltre, usa due procedimenti di costruzione musicale che a un punto si congiungono e rivelano l’unicità della

loro sorgiva. Il primo indulge più all’affetto melodico; il secondo, invece, s’impegna insistentemente a tramare strutture vocali e strumentali con inesorabile dottrina, talvolta con asprezze che però sempre chiudono e proteggono gamme di lirica commozione. L’uno esalta la cordialità della melodia; l’altro si carica del sublime accoramento che Alfano porta in sé e che rende più intenso e arcano il suo canto. Molte delle sue Liriche non sono ancora conosciute in tutta la loro dovizia inventiva. E sono difficili sia per la materia strumentale assai impegnata, sia per la concettosa virtualità del canto troppo assorto e dissimulato nel sottinteso lirico della fantasia e dell’ispirazione. Per Alfano l’addensata e tesa e lampante commozione lirica è uno dei modi connaturali della sua poetica, la tecnica stessa, se così può dirsi, della sua sensibilità. (Rino Maione)



Recensioni

Da “Musica e Scuola” del 15 giugno 2005

“Continua l'attività, sia concertistica che discografica, del Duo Alterno [...] E' il caso delle intense “Liriche da Tagore” di Franco Alfano o dei bellissimi “Canti” di Alfredo Casella [...] o dei “Canti e Strambotti” del raffinato Giorgio Federico Ghedini. Tiziana Scandaletti e Riccardo Piacentini sono due interpreti specializzati in questo tipo di repertorio [...] Un sicuro punto di riferimento nel panorama della musica moderna e contemporanea, il Duo Alterno porta [...] in tutto il mondo [...] una letteratura del Novecento che altrimenti rimarrebbe nel cassetto.” (Michele Gioiosa)

Da "Ópera Actual" di maggio 2005

“[...] grande e logica ["poderosa y logica"] coerenza stilistica [...] Il soprano Tiziana Scandaletti offre una linea vocale solida che [...] trasmette tutta la sensualità di un linguaggio estremamente personale ed espressivo. Riccardo Piacentini asseconda la sua felice interpretazione con un impeccabile accompagnamento pianistico che, nonostante l’evidente difficoltà, concentra una grande diversità idiomatica e varietà di registri. La bella compenetrazione tra i due interpreti permette di conoscere ampiamente un linguaggio cameristico a volte un po’ sconcertante e imprevedibile, ma straordinariamente attraente, di un autore che merita di essere riscoperto.” (Vladimir Junyent)

Da “Hortus Musicus” di aprile-giugno 2005

“Dopo aver affrontato il repertorio vocale da camera di Ghedini e di Casella, i due interpreti del Duo Alterno offrono con questo CD un prezioso tassello alle loro ricerche, presentando una silloge di liriche su testi di Tagore (comprese due pagine inedite) di Franco Alfano [...] Che si tratti di una proposta di grande interesse culturale non v'è dubbio [...] Il soprano Tiziana Scandaletti e il pianista Riccardo Piacentini hanno affrontato questo inconsueto repertorio con la ben nota perizia e adesione stilistica: ogni lavoro è stato così tradotto mettendo compiutamente a fuoco le potenzialità espressive dei singoli brani attraverso una cura delle dinamiche assolutamente degna di ogni elogio (oltre ad una coesione conseguita con altrettanta coerenza e rigorosità) [...] Piacentini [...] ha dato prova di superiore eleganza, sensibilità e raffinatezza. Un esito artistico [...] di notevole livello, tale da rendere pienamente giustizia ad un corpus creativo meritevole di maggiori attenzioni da parte di studiosi ed esecutori, attenzione che contribuirebbero a rendere meno ripetitivi e monotoni i programmi delle stagioni concertistiche nostrane [...]” (Claudio Bolzan)

Da “l'Opera” di marzo 2005

“Ben noto per la cura e la serietà filologica con cui ormai da anni si dedica alla risoperta e alla rivalutazione del repertorio del nostro Novecento cameristico, il Duo Alterno di Torino propone un nuovo itinerario musicale alla scoperta di un compositore purtroppo noto ai più solo per aver terminato l'ultimo capolavoro pucciniano. Dopo i CD dedicati a Casella e Ghedini, tocca dunque a Franco Alfano con la proposta di quattordici liriche da camera [...] Il tutto impreziosito dalla proposta di ben due brani registrati grazie al recupero di manoscritti inediti [...] Descrivere in poche righe un rapporto complesso e sofisticato come quello che si intreccia tra la musica di Alfano e i testi di Tagore è impresa quasi impossibile [...] possiamo dire che questo CD ci restituisce un Alfano intimo, coraggioso, grande sperimentatore mai banale. Dalla voce, qui scaldata dal bel timbro di Tiziana Scandaletti, il compositore napoletano pretende una narrazione chiara, incalzante [...] Al pianoforte spetta quindi il non facile compito di avvolgere tali racconti con la delicatezza di un velo intessuto di suoni raffinati e di atmosfere esotiche: obiettivo ben centrato dal pianista Riccardo Piacentini [...]” (Enrico Ercole)

Dal “Corriere del Teatro” di dicembre 2004

“[...] E' con grande eleganza che il duo torinese affronta le pagine di Alfano [...] Ammirevole la ricercatezza timbrica [...] di ‘Parlami amor mio’ che Tiziana Scandaletti evidenzia con grande gusto ed appropriatezza di accenti o ancora lo stornellante “Giorgio per giorno• con il canto che si muove per lo più nel registro acuto ed il suo argentino carillon pianistico reso con grande charme dal sostegno di Riccardo Piacentini. Un bel compact che regala 50 minuti di intense emozioni grazie alla vocalità duttile della Scandaletti attenta a conferire significato alle più riposte valenze del testo, abile nel trascolorare dalle accensioni a tratti drammatiche di ‘Mamma il giovane principe’ alle delicate rarefazioni di numerose altre pagine, dalla passionalità effusiva di ‘T'amo diletto mio’, pagina fitta di incursioni nell'acuto sostenuta da un denso tessuto pianistico, alle venature nostalgiche di ‘Sì, lo so’. Merita sottolineare la bellezza di tocco di Piacentini, diafano e iridescente ove occorre, ma capace anche di sonorità possenti in quei momenti (e sono molti) in cui lo strumento è in perfetta simbiosi espressiva con la voce. [...] un CD che si raccomanda caldamente a quanti amano la voce in tutte le sue proteiformi coniugazioni ed a chiunque desideri esplorare l'universo inesauribile della vocalità: vocalità non facile, quella richiesta dalla scrittura di Alfano, che pure la Scandaletti affronta con sicurezza e passione, giocando sulle sfumature timbriche come sulle assorte mezze tinte del registro centrale, ma sfoderando anche acuti poderosi dove necessita e pure lontanissimi, come si conviene, per stile e significato drammaturgico dalla vocalità del teatro lirico che cosa ben differente. Un CD insomma che presuppone cultura ed intelligenza interpretativa, dietro al quale si intuisce un lungo lavoro di studi e di interiorizzazione per restituire al meglio un lascito tutt'altro che trascurabile o secondario [...]” (Attilio Piovano)

Da “Suono” di novembre 2004

“[...] interpreti di eccezione che hanno ispirato tra gli altri Giacomo Manzoni e Ennio Morricone. Tiziana Scandaletti interpreta con grande musicalità le liriche di Alfano. La voce è morbida, sicura dei propri mezzi espressivi. Il fraseggio è elegante, l'interpretazione accurata e ricca di colore. Riccardo Piacentini accompagna il canto al pianoforte nel rispetto della linea melodica e attento a sottolineare ogni sfumatura espressiva. [...] un'esecuzione raffinata che regala un'ora di emozioni [...]” (Paola Raschi)

Da “©arnet” di novembre 2004

“[...] Nuova Era [...] aggiunge al suo catalogo questa prima mondiale di Alfano, affidata alla voce di Tiziana Scandaletti e al pianoforte di Riccardo Piacentini, brillantissimo duo che si dedica al repertorio vocale-pianistico del '900 italiano [...]” (Luciana Fusi)

 

Note illustrative, a cura di Guido Barbieri

L’aporia più misteriosa della modernità è il canto. Una contraddizione irrisolvibile, un enigma, un peso insopportabile: non poter più cantare ciò che si è sempre cantato. Un dolore, spesso una rinuncia. E senza sapere nemmeno di preciso il perché. Perché è così difficile tendere l’arco del canto quando si rinuncia, volontariamente o storicamente, alla regola della gerarchia tra i suoni, ossia alla “carta costituzionale” del sistema tonale? Perché la linea del canto, sottratta al principio di differenza e di attrazione tra i suoni, sembra piegarsi sotto il peso del testo e non può far altro che rifugiarsi nel compromesso della declamazione? Un modus cantandi potente, formidabile, fatto di fuoco, di tempesta e di pietra, ma irrimediabilmente alieno rispetto al canto. E perché l’aporia del canto solo non sembra togliere il fiato, ad esempio al “cantare insieme” e tanto meno alle infinite forme del cantare senza voce? C’è forse qualche cosa nella vox humana, e nella sua disposizione naturale alla monodia, che richiede, per necessità, una successione di suoni regolata dai principi della tensione e della risoluzione, una prosodia regolata dalle norme della cadenza e della sensibile? Perché il flatus vocis, durante la corsa della intonatio, sembra aver bisogno, quasi fosse un maratoneta stanco, della sosta, del riposo e poi, alla fine, del ritorno allo status quo ante, alla ipostasi gloriosa della tonica?

Il nuovo capitolo della indagine svolta dal Duo Alterno intorno alle forme della vocalità contemporanea vuole, se non rispondere, quanto meno condividere la serie inquieta di questi interrogativi sospesi… I sei compositori di diversa generazione, e di diversissima ambientazione stilistica, riuniti per l’occasione nella “casa” di questo disco, sembrano innanzitutto condividere una premessa estetica che si trasforma all’istante in una opzione “militante”: nessuno di loro pare avere alcuna intenzione di rinunciare alla battaglia, di evitare lo scontro duro e dall’esito per niente scontato, con le aporie del canto. Nessuno ha l’aria un po’ furbetta di rifugiarsi nel compromesso, nella melina, nella danza del pugile che saltella su se stesso, o disegna cerchi leziosi intorno all’avversario per paura di sferrare per primo il sinistro. Ognuno di loro, naturalmente, interpreta il match contro Mister “The Monster” Song ricorrendo alle molteplici strategie della noble art, ma tutti rimangono a gambe ferme al centro del ring.

Lorenzo Ferrero, ad esempio, mette in scena con le sue Canzoni d’amore sette micro opere che possiedono la veste della romanza da camera, ma il corpo di veri e propri melodrammi in miniatura. Regia, scene e costumi sono racchiusi nella voce femminile, orchestra e direttore si muovono invece sulla tastiera del pianoforte. Non sono solo le scelte poetiche del musicista a soffiare il flatus vocis del teatro nella trama esile dei testi: Ferrero, con la complicità di Marco Ravasini, si rivolge alla “poesia per musica” di Pietro Metastasio e si lascia guidare con molta fiducia, dalla metrica, dalla prosodia, dall’incedere ritmico dei sette componimenti: ma è la scrittura vocale di Ferrero a possedere una immediata icasticità rappresentativa. L’intonazione del verso è, prevalentemente, di tipo sillabico e non lascia affiorare alcun intento di tipo virtuosistico: l’escursione intervallare è limitata e il canto procede per gradi vicini senza mai disegnare archi melodici troppo ampi. Per contro l’accompagnamento pianistico è denso, corposo, di carattere accordale, e tiene lontana ogni tentazione astrattamente contrappuntistica. Dove abita allora la profonda, istintiva teatralità di queste pagine? Nella capacità di ogni singola parola di evocare, attraverso il suono, una immagine narrativa precisa e definita. Grazie a questo artifizio retorico, che i rètori antichi definivano “ipotiposi” (ma non c’è niente di artificioso nei procedimenti di intonazione adottati da Ferrero…), ogni testo si trasforma, come accade nella prassi del lied tedesco, in un minuscolo teatro in miniatura in cui la voce è il gesto, il pianoforte l’orchestra, il testo la scena.

Anche la Lettera di Angela di Giorgio Battistelli, frammento, ben rappresentativo dell’insieme, dell’opera Divorzio all’italiana, rivela all’ascolto una esplicita inclinazione narrativa. Si tratta però, rispetto alle Canzoni di Ferrero, di una narratività più immediata e trasparente, meno allusiva e metaforica: dal teatro in miniatura del lied si passa qui al gran teatro del mondo… Il libretto dell’opera, andata in scena per la prima volta a Nancy nel 2008, segue con affettuosa fedeltà la sceneggiatura del film di Pietro Germi che nel 1961 segnò una svolta angolare nella storia della “commedia all’italiana”: il genere madre del cinema nazionale stava proprio allora abbandonando la farsa “a soggetto”, legata agli stereotipi comici dello “spettacolo di varietà”, per adottare modelli narrativi più complessi che, raccogliendo in parte l’eredità della breve stagione del neorealismo, insinuava nel canonico canovaccio della “commedia di caratteri” l’ombra realistica, se non del dramma, almeno, della comédie serieuse. Una “serietà”, a volte sconfinante in un mood malinconicamente amaro, ottenuta con mezzi, per così dire, impropri e cioè con una intenzionale forzatura del registro parodistico. E’ proprio questa la vena che Battistelli coltiva con particolare acribia nell’orto della sua partitura. La scelta strategica di affidare tutte le “parti in commedia” tranne quella di Angela a interpreti maschili (incluso il ruolo già di per sé grottesco di Donna Rosalia) va esattamente in questa direzione: pervenire al grado zero della farsa spingendo parossisticamente sul pedale stilistico della parodia. Una sorta di potente cura omeopatica che ha effetti davvero miracolosi… La versione pianistica della Lettera di Angela, espressamente dedicata al Duo Alterno, sembra discostarsi, apparentemente, dal main stream stilistico dell’opera: nel rivolgersi in modo accorato e tenero al suo “Fefé adorato” Angela, interpretata nel film di Germi da una giovanissima Stefania Sandrelli, schiude all’ascolto più il registro patetico- sentimentale-nostalgico che quello farsesco e parodistico. Eppure la linea del canto lascia affiorare una serie di figure stilistiche piuttosto contraddittorie: nelle prime quattro misure, ad esempio, il glissato ripetuto sulle quarte discendenti che intonano il nome di Fefè, oppure il trillo piuttosto aspro che insiste sul registro acuto del pianoforte e poi tocca tutti suoni della vertiginosa scala ascendente finale. O ancora gli intervalli ampi e marcati che intonano, seguendo una forte curvatura ascendente-discendente, le cellule motiviche fondamentali della parte vocale. Tutti sintomi, sembra di poter dire, di una “smorfia” appena visibile, quasi di un “tic” facciale (simile a quello che affiora a tratti sul volto marmoreo di Marcello Mastroianni) che deforma la sobria e cantabile linearità della lettera di Angela. E che lascia intravedere, pur nella apparente compostezza dell’incedere melodico, il ghigno obliquo della parodia: anche in questa pagina apparentemente atipica, dunque, si coglie dietro la facciata del codice d’amor borghese, la presenza di un eros insistente, pervasivo ed onnipresente.

E’ un teatro intimo, un teatro da camera (quasi “musica reservata”…) quello che fa da cornice, invece, alla Aria di Nadia di Fabio Vacchi, anch’essa “frammento d’opera”, come nel caso della Lettera di Battistelli: questa piccola tessera dai colori tenui e quasi esitanti appartiene al mosaico prossimo venturo de Lo stesso mare, il lavoro teatrale nato dalla “amicizia poetica” con Amos Oz che vedrà la luce al Teatro Petruzzelli di Bari nel corso del 2011. Impossibile dire ovviamente, in questo caso, se la tessera, per altro davvero “in miniatura”, sia davvero rappresentativa del mosaico o se invece ne rappresenti una più meno vistosa anomalia. Si può azzardare l’ipotesi però che lungo le trentadue scarne misure dello spartito per canto e pianoforte (un’altra dedica ad personam al Duo Alterno) Vacchi adotti uno stile di intonazione fortemente sperimentale, non molto frequente nelle sue composizioni “drammatiche”. La linea di canto, di per sé piana, discorsiva, fondata su minimi scarti intervallari e sulla frequente ribattitura di una iterativa “corda di recita”, viene continuamente spezzata, incurvata, frammentata, da una serie di frequentissime acciaccature: cellule di uno, due o tre suoni che come prescrive lo spartito devono “eseguirsi come portamenti, sempre il più velocemente possibile”. Ogni suono cardine della melodia principale viene sistematicamente anticipato da un gruppetto di acciaccature in modo che la voce giunga ad intonare la nota “prescritta” dopo una rapidissima serie di oscillazioni, ondeggiamenti, approssimazioni, come accadeva nella tecnica antica, propria del canto trobadorico, del “cercar la nota”. Come se il suono fosse insomma una leggera creatura alata che tocca terra dopo essersi consegnata al corso delle correnti. L’effetto all’ascolto, per ciò che si può inferire dalla notazione scritta, è duplice: da un lato l’arco melodico non può che piegare, fatalmente, verso una declamazione rapinosa, veloce, quasi sussurrata che insinua nel ductus testuale frammenti sonori e cellule asemantiche del tutto irrelate rispetto all’ordine discorsivo. Dall’altro si crea, quasi come negli arcaici organa medievali, uno sdoppiamento del tutto immaginario tra la melodia principale e la melodia secondaria: il tenor è costituito dai suoni “larghi” che segnano la scansione sillabica del testo, mentre il duplum risulta dai suoni stretti, dai frammenti “decorativi” disegnati dalle acciaccature. E in alcuni passaggi, come accade nelle Invenzioni a due voci di Bach, le due parti reali creano una parte “terza” invisibile, immaginaria, ma perfettamente udibile, prodotta dagli effetti di eco e di risonanza tra i suoni reali. E’ proprio in questo spazio immaginario che trova significato e ragione l’esile tracciato dell’ Aria di Nadia: se il testo di Amos Oz sembra descrivere una sorta di nostalgico, intimo planctus arcadico, un malinconico congedo dalla vita scandito dalla presenza di semplici oggetti concreti (una tovaglietta che non sarà mai finita, il vino, il latte di capra, l’ombra delle montagne, il canto dell’usignolo) il canto ha (letteralmente) l’”aria” di voler trascendere la cornice delle “piccole cose” per tracciare il diagramma fedele di una ansietà, di un flatus vocis irrequieto e febbrile che non sa rassegnarsi, in realtà, allo strappo dell’esistenza.

Una oasi appartata è costituita, nel progetto del disco, dai due “divertissements amorosi” di Pieralberto Cattaneo e Victor Andrini. Se e Marcello’s Divertissement sono due pezzi per molti versi “gemelli” e costituiscono un sorta di dittico “ideale” in cui le evidenti simmetrie sono tanto forti quanto i reciproci contrasti. Entrambi, per cominciare, smontano e rimontano due semplici oggetti musicali che nel lessico del leggendario Parisotti si sarebbero chiamati “arie antiche”: nel primo caso l’aria “Se tu m’ami” di Giovanni Battista Pergolesi su testo di Paolo Antonio Rolli, nell’altro l’aria “Quella fiamma che m’accende” attribuita a Benedetto Marcello e su testo anonimo. Il principio estetico coltivato dai due compositori non è però quello del calco, della citazione, della mera riscrittura in chiave “moderna” di un testo del passato: semmai il disegno stilistico è quello del sincretismo, della ibridazione tra matrici profondamente e irriducibilmente diverse. Anche l’organico dei due brani presenta evidenti relazioni di identità: la voce e il pianoforte rappresentano, in tutti e due i casi, i poli estremi della scrittura, ossia l’individuazione del principio monodico e di quello polifonico. Al centro “prospettico” di questa opposizione vi sono due voci “aliene”: nel pezzo di Cattaneo il flauto, in quello di Andrini la chitarra elettrica. Qui si interrompe però il gioco delle somiglianze e dei richiami. La scrittura vocale e strumentale dei due lavori non potrebbe presentare caratteri più differenziati.

Se… si presenta alla lettura (e all’ascolto) come un consapevole, smaliziato, coltissimo studio sulle forme storiche della vocalità cameristica. Il riferimento esplicito, fin troppo “esibito”, all’aura stilistica del tempo di Pergolesi non possiede dunque alcun intento parodistico, né alcuna intenzione restaurativa. L’aria da camera “Se tu m’ami, se sospiri”, di per se stessa estranea all’universo operistico, svolge dunque la semplice funzione di un segna tempo storico: è un punto di partenza temporale che viene immediatamente superato dal palese riferimento, in apertura del brano, alle tecniche e alle forme della contemporaneità: prima dell’ingresso della voce il flauto, sulle armonie cromatiche del pianoforte, espone una piccola antologia delle sonorità tipicamente novecentesche dello strumento: gli armonici sui suoni sovracuti, le linee fortemente spezzate della melodia, il frullato prolungato su una nota fissa. Un gesto sonoro “ampio”, di forte impatto immaginativo, che viene in un certo senso raddoppiato nel finale quando la partitura, dopo la ripresa dell’incipit, prescrive agli interpreti di pronunciare la sillaba “se” (alfa e omega del brano) parlando “dentro” lo strumento e creando dunque imprevedibili effetti di risonanza. Tra questi due “estremi” voce, flauto e pianoforte sfogliano il libro di storia della vocalità cameristica restituendo ogni possibile forma di intonazione del testo: una straniata melodia cromatica discendente della voce (nelle prime misure), una declamazione fortemente accentata molto vicina al cantato-parlato, un “canto a due” in contrappunto col flauto, un arioso che tende l’arco vocale fino a raggiungere una esplicita ed esibita cantabilità.

La ratio stilistica di Marcello’s Divertissement è in certo senso più netta ed icastica: in questo brano di forte “visionarietà” timbrica, le relazioni tra il testo e la sua amplificazione sonora sembrano sorvegliate da due figure retoriche prevalenti: la ridondanza e l’opposizione. Contrariamente al testo “cameristico” di Rolli adottato da Cattaneo, quello scelto da Andrini possiede una marcatissima gestualità teatrale: “Quella fiamma che m’accende” evoca immediatamente l’atteggiamento, la postura, la pronuncia della grande aria d’opera. E l’intonazione del testo asseconda con sottile humour parodistico questa evidente inclinazione al parossismo. La voce enfatizza ad esempio fino al limite di rottura l’iterazione delle parole “che giammai si estinguerà” che chiudono la strofa iniziale. Un palese effetto di ridondanza reso ancora più efficace dalla estrema nitidezza del ductus lineare della voce: l’intonazione è prevalentemente sillabica ed assicura dunque al testo una sostanziale intelligibilità, l’arco melodico è fluido, basato su intervalli contigui e naturali, mentre l’artifizio di mutare ogni volta la cellula motivica corrispondente alle parole “che giammai” rende ancora più evidente il meccanismo della iterazione parodistica. L’applicazione del principio di opposizione produce un effetto in certo senso più “spettacolare” perché investe in pieno la dimensione percettiva del brano, la sua forte inclinazione all’ascolto. I due poli del contrasto sono espliciti, senza tonalità intermedie: da un lato l’impianto sostanzialmente tonale del melos vocale, ribadito persino dall’armatura in chiave, dall’altro i blocchi accordali, netti e “primitivi” prodotti dalla chitarra elettrica e resi ancora più stridenti dall’uso del distorsore. Nella sezione B dell’aria la chitarra lascia affiorare sonorità più delicate e una sintassi più discorsiva, consentendo tra l’altro al pianoforte di disegnare un profilo di accompagnamento estremamente nitido, ma la canonica ripresa del “da capo” non può trattenere una certa sfrenata energia virtuosistica che si placa soltanto nel fortunoso, quasi insperato ritrovamento della tonica iniziale.

L’orizzonte che chiude, in lontananza, il paesaggio della vocalità contemporanea disegnato in questo disco lascia intravedere una terra nuova: le relazioni tra la voce contemporanea e la “camicia di ferro”, come l’ha definita Elliott Carter, della orchestra sinfonica classico-romantica. Proseguendo l’indagine “storica” sulle infinite risonanze che legano l’universo della musica d’arte a quello della musica popolare Riccardo Piacentini è approdato a due testi che sembrano tracciare una sorprendente continuità tra due tradizioni musicali apparentemente lontane: da un lato la “rivisitazione creativa”, come la definisce l’autore, di una antica canzone popolare piemontese, La bergera e ‘l luv (La pastora e il lupo), dall’altro la “trascrizione divertita” di quattro romanze per canto e pianoforte di Gaetano Donizetti su testi di anonimo autore napoletano. La Canson piemontèisa e le Quattro canzóne napulitane non sono soltanto sapienti, colti e “divertiti” esercizi di trascrizione orchestrale: cercano al contrario di creare, intorno al ductus melodico dei testi originali, un’aura sonora che riconduca la voce “antica” nell’alveo di un suono esplicitamente contemporaneo. “Nel primo caso – scrive Piacentini – la melodia di origine è stata utilizzata in modo testuale e reiterato, mentre l’universo sonoro circostante fiorisce e reinventa il materiale armonico suggerito nella più storica delle riletture”. Nel secondo caso, in modo speculare, “le melodie originali sono state utilizzate alla lettera”, mentre gli accenti della contemporaneità sono prodotti, in particolare, dalla “reinvenzione secondo nuovi codici della parte pianistica”.